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Wrestling y cultura popular VII (y final): el gusto por lo falso

Yo y los que han leído esto hemos llegado al final del camino. Para la séptima y última parte de este proyecto, se ha elegido el fragmento del texto de Dalbir Sehmby en que examina como el wrestling asume su condición de competencia falsa. Para efectos de referencia, el título original es “Wrestling and Popular Culture”, de la revista “CLCWeb: Comparative Literature and Culture” y fue publicado el 2002. El artículo original es posible encontrarlo a la vez en el sitio http://docs.lib.purdue.edu/clcweb/vol4/iss1/

La actitud franca con respecto al engaño

Mientras que ser un fenómeno de entretenimiento único en América del Norte y del siglo XX con aspectos metadramáticos presentados en una forma de medios híbridos puede parecer críticamente beneficioso para cualquier otro programa, tales elementos son ampliamente ignorados en el wrestling. Al igual que el béisbol, la lucha libre profesional es un producto estadounidense, que surge de las peleas de la Guerra Civil y la competencia legítima del wrestling en las atracciones de carnaval y eventos del estadio. Sin embargo, a diferencia del béisbol, la lucha profesional no se considera culturalmente como el pasatiempo de Estados Unidos.

A pesar de lo anterior, consideren cómo se alaban los elementos metadramáticos similares y se los considera complejos y artísticos en las formas literarias y cinematográficas, pero, en la lucha libre, se los considera como una pequeña ofensa. A pesar de que las formas narrativas de internet multimedia están siendo exploradas como formas nuevas y dinámicas de contar historias, apenas se nota la forma híbrida del wrestling. Es decir, el espectáculo de lucha sigue siendo criticado por engañar abiertamente al espectador y jugar con la realidad. Esto se debe en parte al bajo estatus general de la lucha cultural, pero desde el punto de vista estructural, esto se debe a la propia actitud franca del wrestling hacia el entretenimiento. Así es como Sharon Mazer describe esto en su libro, “Professional Wrestling: Sport and Spectacle”:

“La jerga profesional de la lucha se engarza con el lenguaje del estafador. La mayoría de las actuaciones de lucha se consideran ‘obras’, tanto en el sentido de que los luchadores deberían ser “trabajando” para complacer a la audiencia y en el sentido de que un luchador en particular “hace un trabajo” para “poner al otro tipo”. Este ‘jobber’ (a menudo referido en el lenguaje de fans actual como ‘JTTS’ o ‘Jobber to the Stars’) debe trabajar para mostrar un buen espectáculo, una demostración convincente del deseo y el potencial de ganar, para hacer que el otro luchador – ya sea una estrella o un nuevo luchador que el promotor quiere “empujar” – se vea bien para los fanáticos. Dado que el rendimiento del wrestling profesional es en gran parte improvisado, siempre existe la posibilidad de una “sesión” en la que el plan es abandonado, ocurre un accidente o surge un conflicto genuino con la violencia que se extiende de la exhibición a la realidad“.

La habilidad detrás de la estafa del wrestling

En el sentido más simple, la lucha misma quita todas las pretensiones y se refiere al entretenimiento como una estafa. En cierto modo, esta es una descripción cruda pero precisa del entretenimiento. Un actor es un mentiroso, jugando un papel para engañar a la audiencia y hacerle creer que su diálogo, emoción y predicamento son auténticos. Para ser considerado efectivo, el espectador debe caerse por el desempeño; el espectador debe ser engañado para creer que lo que se le presenta es auténtico. Por supuesto, como lo ilustra la descripción que hace Mazer de la jerga del wrestling, el tono aquí hacia el entretenimiento es mucho menos glamoroso que la “suspensión voluntaria de la incredulidad” de Coleridge. No obstante, el objetivo general es claro.

Como dice “Anatomy of Drama” (1976) de Martin Esslin, el teatro es “acción mimética, una imitación del mundo real como un juego, como hacer creer. El drama que vemos en el teatro y para el caso en la pantalla del televisor o en el el cine es una ilusión elaboradamente manufacturada “. Entonces, al igual que la lucha libre, todo entretenimiento es una estafa.

Sin embargo, debido a la aceptación cultural, una industria crítica de alabanza y una audiencia tradicionalmente de clase alta, ciertas formas de entretenimiento son apenas, si acaso, referidas como contras. De hecho, han alcanzado el estatus de arte, y se dice que proporcionan una realidad alternativa en la que el espectador puede verse absorto y entretenerse por completo. La referencia del wrestling como confabulación se debe, en parte, a sus raíces de carnaval antes mencionadas como un juego. Mantener esa jerga es un tipo de homenaje humilde que recuerda al luchador y al espectador que, en última instancia, el glamour, las tramas y el espectáculo que se presenta son, en sus raíces, un engaño lúdico.

Estar en la cúspide de los deportes y el entretenimiento también permite el uso del término estafa. Un evento deportivo amañado se conoce como una estafa. El atletismo amañado de la lucha no disminuye la habilidad atlética genuina requerida. De hecho, incluso puede mejorarlo. Los luchadores deben tener cuidado de no lastimar a su oponente o a sí mismos, pero al mismo tiempo presentar la ilusión de violencia dramática y preservar una trayectoria narrativa continua. Sin el lujo de recurrir a ángulos de cámara engañosa y efectos especiales, el autocontrol y la coreografía de un atleta deben funcionar al máximo para mantener ese nivel de excitación combativa y, sin embargo, no causar ningún daño grave.

El kayfabe

El estatus cultural de la lucha como una trampa también tiene otro propósito: pone la responsabilidad en el ejecutante. Mazer señala que “Todos los participantes, incluidos los fanáticos, presentan a otros con al menos un poco de kayfabe, un término tomado del carnaval del siglo XIX, el espectáculo de medicina y la práctica secundaria y simplemente se refiere a una estafa o engaño“. Habiendo sido históricamente criticada como una estafa,referirse a la lucha como una estafa hoy es un claro reconocimiento y reapropiación de su bajo estatus cultural. Como Mazer continúa explicando, “la mayoría de los luchadores se sienten orgullosos de ser llamados kayfabianos porque significa que están en el (con) juego“.

Por lo tanto, la crítica más famosa del wrestling es que es una estafa, pero los luchadores y fanáticos se han apropiado el término para dar credibilidad y respeto al espectáculo, aún rindiendo homenaje a sus raíces y aceptando humildemente que en cierto sentido los deportes el entretenimiento son una estafa lúdica. En cierto modo, la reapropiación del término “estafa” hace que la lucha libre sea un poco más alta e incluso reduce un poco las formas más altas de entretenimiento. Porque, si el arte elevado también es una mera estafa, entonces el campo de juego de entretenimiento es más uniforme.

El espectador como un condicionador del show

Por lo tanto, refiriéndose al wrestling como una estafa, pone un gran énfasis en el ejecutante y por lo tanto, exalta la habilidad del luchador como animador en vivo. Mientras que el entretenimiento multimedia pregrabado depende de las técnicas de la cámara y los efectos especiales, los luchadores deben confiar en sí mismos. El éxito de la lucha directamente se deriva de complacer a la audiencia al presentar un espectáculo atractivo, espectacular y creíble. Si el luchador no logra ofrecer un buen espectáculo de wrestling, las repercusiones son inmediatas. Los fanáticos podrían reírse y ridiculizar abiertamente al artista. O lo que es peor, los fanáticos pueden irse o no ir a otro espectáculo, reduciendo así el tamaño de la audiencia y, por lo tanto, disminuyendo la reputación del luchador y su salario.

Al ser mencionado en el lenguaje de la lucha, como kayfabian (un estafador) o trabajador, el papel activo del luchador (en oposición al rol pasivo del espectador que suspende la incredulidad) es bastante evidente. El luchador debe trabajar para complacer a la audiencia y montar un buen espectáculo; la responsabilidad recae en el artista intérprete o ejecutante para ofrecer, atraer el interés del espectador e incitar a las emociones. Por supuesto, el espectador debe seguir el juego. Sin la participación del espectador, no puede haber ninguna forma de entretenimiento. Sin embargo, en el wrestling, la apreciación o falta de apreciación del espectador ejerce un poder democrático más directo que en otras formas de entretenimiento.

En este sentido, la habilidad de la lucha para complacer efectivamente a la audiencia es una manera de mantener su estado respetuoso entre los fanáticos. La atención del luchador a la voluntad de un fan de suspender la incredulidad es una forma de respetar a las personas que apoyan a la industria del wrestling. Mientras que las formas de entretenimiento superiores pueden agradar a la clase alta o al público educado por su mérito tradicional, complejidad y comprensión interna, en sus raíces, la lucha agrada a su audiencia tradicionalmente obrera al capacitarlos con una voz y responder a sus necesidades de entretenimiento. El espectador debe hacer un esfuerzo para adquirir una apreciación de las sutilezas o la calidad de una forma de arte elevado, como la música clásica. En comparación, la simplicidad del conflicto de wrestling hace que sea más accesible de inmediato para una amplia gama de espectadores.

Al ser tan fácilmente comprensible, los creadores de lucha libre y los artistas intérpretes o ejecutantes deben trabajar específicamente para satisfacer los desarrollos narrativos y de carácter deseados por el público. El wrestling le da al espectador promedio de la clase trabajadora una voz democrática en su entretenimiento. La dinámica es clara, dos combatientes en la batalla física. Todos pueden entenderlo, porque no hay barreras en términos de lenguaje o educación.

El espectador de la clase trabajadora puede optar por gastar su dinero en otro lado, si el espectáculo de lucha no proporciona lo que él o ella disfruta. Y a pesar de que hoy en día, los espectadores promedio no pueden saltar al ring y desafiar al campeón de carnaval fuerte a un encuentro, al menos los espectadores promedio pueden expresar sus opiniones y sus aplausos pueden empujar a un favorito en el ring contra el actual campeón. Por lo tanto, a pesar de su inclusión de elementos de alto arte, la crítica todavía puede referirse al wrestling e incluso a los fanáticos como una estafa. Al hacerlo, la lucha libre reconoce su condición humilde y le impone la responsabilidad al artista intérprete o ejecutante de entretener y respetar las opiniones y el apoyo de su audiencia.

En última instancia, el wrestling se considera infundado, porque desafía nuestra cosmovisión norteamericana tradicional. Valoramos las competiciones de atletismo legítimas porque valoramos la competencia, en el sentido capitalista. Los deportes son una preservación ritualista de la competencia leal y, metafóricamente, del sueño americano. La lucha socava esto, no solo jugando para la audiencia de la clase trabajadora, sino también criticando nuestra fe ingenua en la movilidad ascendente y expresando así la angustia de la clase trabajadora. Además, a nosotros, como público, no nos gusta ser engañados abiertamente; más bien, disfrutamos con suficiencia de la posición del espectador de conocimiento privilegiado. Este conocimiento se refleja en nuestra tendencia cultural a categorizar y etiquetar los fenómenos a lo largo de las oposiciones binarias tradicionales.

Aunque los críticos elogian lo liminal en el arte superior, la marginación del wrestling en los estudios de televisión muestra la omnipresencia de un sesgo cultural. Los críticos y espectadores se sienten incómodos por los siguientes elementos liminales: entre el deporte y el drama; entre formas narrativas masculinas y femeninas; entre su presentación del cuerpo humano tanto para la mirada masculina como femenina en formas sexuales y no sexuales; entre la realidad y el arte, como se evidencia a través de sus aspectos metadramáticos.

Debido a su estilo excesivo y al público tradicionalmente de clase baja, el enfoque ruidoso, impetuoso y directo de la lucha lo marca como excesivo y, por lo tanto, sin complicaciones o críticamente indigno. Dado que los programas de lucha pueden incorporar los rasgos de una miríada de programas de televisión, no se reconoce claramente como un género de televisión original. Al reconocerse a sí mismo y a todos los entretenimientos como “falsos”, el wrestling reabre su estatus cultural como una estafa y exalta con orgullo la capacidad de actuación de los actores y la capacidad de las tramas para atraer a audiencias de todo el mundo. Además, la lucha nos pide que reconozcamos la falsedad de los límites, entre lo alto y lo bajo, entre la ficción y la realidad.

Aunque los estudiosos consideran que esta edad es posmoderna, la negativa a reconocer el wrestling, una forma transgresiva de arte bajo, como digna de estudio crítico, apunta a la existencia continua de paradigmas críticos conservadores. En todo caso, excluir la lucha libre hace que los estudios de medios postestructurales sean “falsos”.

Wrestling y cultura popular VI: un espectáculo para la clase baja

Para la sexta parte de este proyecto, se ha elegido el fragmento del texto de Dalbir Sehmby en que se refiere al ambiente popular que generalmente rodea a su público. Para efectos de referencia, el título original es “Wrestling and Popular Culture”, de la revista “CLCWeb: Comparative Literature and Culture” y fue publicado el 2002. El artículo original es posible encontrarlo a la vez en el sitio http://docs.lib.purdue.edu/clcweb/vol4/iss1/

Un espectáculo exagerado

Además de ser metadramático, la lucha es un espectáculo de rendimiento. Como Roland Barthes dejó en claro en “Mythologies”, los luchadores profesionales muestran “el gran espectáculo de Sufrimiento, Derrota y Justicia“. Culturalmente, el arte elevado tiende a ser elegante, sutil y refinado; a diferencia de la fuerte violencia sudorosa de la lucha libre. Con los estándares del arte elevado, el drama que es melodramático y excesivo es menospreciado, especialmente si el público es de clase baja o trabajadora. En el wrestling, donde la audiencia ha sido tradicionalmente la clase baja o trabajadora, los movimientos son grandiosos, ruidosos y exagerados.

Al igual que sus contrapartes operísticas, los luchadores deben ser grandes. En la ópera, una forma de arte elevado, existe una expresión comparable exagerada de emoción y gesto. Sin embargo, dado que la audiencia tradicional es de clase más alta y más educada, la ópera no se clasifica como baja. Los luchadores deben asegurarse de que los fanáticos en la parte posterior puedan verlos y escucharlos, por lo que sus enfrentamientos a menudo incorporan gestos arrolladores y fuertes estallidos de agonía. Al tratar de comunicar una historia dramática e invocar reacciones de la audiencia vocal, los luchadores tienen gestos faciales excesivos e incorporan señales de mano y miradas al público.

Al igual que el alto arte de las máscaras tradicionales en diversas culturas, incluidas la antigua Grecia y Japón, los luchadores sin máscaras o rostros pintados deben expresar su carácter y emociones de manera excesiva. A diferencia de los movimientos refinados y a menudo sutiles del ballet, que generalmente se realiza en entornos más íntimos, los luchadores golpean la colchoneta y se golpean entre sí con una coreografía cruda y desgarbada. A diferencia del actor apasionado que es transportado a una forma más grande que la vida en la pantalla de cine para pronunciar expresiones faciales o corporales sutiles y silenciosas y luego ser alabado por sus matices, el luchador debe ser más grande que la vida.

La interacción con el público

Los luchadores no pueden utilizar la sutileza y el silencio como un signo de habilidad, a menos que se les garantice un primer plano. E incluso entonces, el auditorio de los fanáticos se perdería la sutileza. Además, la lucha no se trata de sutileza; más bien, se trata de exceso, el wrestling es excesivo. Ver un espectáculo de arena es un evento multimedia, completo con fuegos artificiales, música y pantallas gigantes. A pesar del exceso de la lucha libre, un espectáculo de wrestling puede ser complejo y en capas. Lo que es más importante, a diferencia del actor al que se le dice que nunca mire a la cámara y destruya la postura del espectador como voyeur, el luchador debe mirar a los fanáticos y a la cámara para expresar su carisma y declarar su persona amenazante.

En la mayoría de las películas, los artistas se miran entre sí e interactúan entre sí. Al preservar la realidad ficticia, el espectador es un observador externo. En la lucha, los artistas se miran e interactúan entre sí, pero también interactúan con el público en la arena y en casa. Los luchadores saludan a los fanáticos, reconocen los carteles y entregan sus mensajes a los fanáticos y a los otros luchadores a través de una dirección directa. Conjuntamente con el espectador de la clase trabajadora tradicional, el ruido desgarbado de un partido, los gruñidos y expresiones de los luchadores, y el luchador que habla directamente en la cámara, se consideran estilos de bajo entretenimiento. Como consecuencia, no sorprende que el wrestling sea ignorado críticamente.

Un genero televisivo único

Junto con este estilo de exceso espectacular, la lucha a menudo se considera bajo arte dentro de la televisión debido a su forma híbrida de medios. Por la forma híbrida de los medios, me refiero a la multitud de géneros con que el wrestling televisivo puede ser comparado y, por lo tanto, descartado como un claro género propio. Al igual que las noticias, el juego de deportes, la caricatura, la comedia de situación, el video musical, los comerciales, el programa de entrevistas, la telenovela o la serie de acción, la lucha es un género establecido y antiguo de la televisión.

Además, debido a que tiene elementos que se asemejan a noticias, deportes, dibujos animados, comedias, videos musicales, comerciales, programas de entrevistas, telenovelas y series de acción, el wrestling profesional no ha sido considerado por los académicos como un género original de televisión o se lo conoce como un género incluso para el público. La lucha televisiva utiliza tantos elementos del medio que un programa puede resumir todo lo que está en la televisión, desde tontos dibujos animados y melodramas seriales hasta insinuaciones sexuales obscenas y violencia sangrienta.

Un programa de wrestling es un programa de noticias en términos de su estilo documental: presentado en vivo, como un noticiario, los periodistas de lucha libre entrevistan a los luchadores como si fueran políticos que discuten con otros políticos. Persiguen a los luchadores, llevan a cabo perfiles en profundidad y nos brindan eventos rápidos a medida que ocurren. Al igual que una transmisión deportiva, la lucha es un espectáculo de fuegos artificiales y esplendor, que utiliza varios marcadores de atletismo legítimo, como árbitros, locutores y gerentes.

A veces se asemeja a los dibujos animados los sábados por la mañana, los superhéroes musculosos batallan con villanos, el gran matón atormenta al pequeño personaje digno de ser amado, y el uso excesivo de sillas y mesas y bates de béisbol son como las contrapartes animadas de yunques y explosiones. Al igual que una comedia de situación, los luchadores se meten en predicaciones humorísticas o intercambian insultos cómicos. Con edición rápida, cámaras de mano temblorosas, mujeres con poca ropa y música, a veces el wrestling puede confundirse con un programa de música.

Dentro de un programa de lucha libre, frecuentemente aparecen comerciales de eventos, carteles, juguetes, videos y pagos por ver. Las peleas que comienzan en las entrevistas se parecen a las batallas de los programas de entrevistas; el melodrama en curso se asemeja a las telenovelas; finalmente, las acrobacias se parecen a las peleas en los dramas de acción de televisión. Por lo tanto, la existencia simultánea de diferentes estilos de televisión en un programa le da al wrestling su forma híbrida de medios, que es otra razón para la falta de reconocimiento crítico de la lucha libre como un género original y distinto.

Wrestling y cultura popular V: la importancia del drama

Para la quinta parte de este proyecto, se ha elegido el fragmento del texto de Dalbir Sehmby en que se refiere al drama como parte fundamental del wrestling. Para efectos de referencia, el título original es “Wrestling and Popular Culture”, de la revista “CLCWeb: Comparative Literature and Culture” y fue publicado el 2002. El artículo original es posible encontrarlo a la vez en el sitio http://docs.lib.purdue.edu/clcweb/vol4/iss1/.

El drama sobre el drama en el wrestling

El wrestling también es liminal y produce ansiedad debido a su estado lúdico entre la realidad y la ficción. Por lo general, los espectadores occidentales están en sintonía con un estado de audiencia privilegiado. El espectador está en una posición de conocimiento seguro; es decir, observamos cómo se desarrollan los personajes y cómo se desarrollan los acontecimientos dentro de un mundo ficticio de historias claramente demarcado. La lucha cambia la posición del espectador a una posición menos privilegiada, distorsionando así los límites ficticios tradicionales.

Al igual que los espectadores de deportes, los espectadores de lucha ven como la acción se desarrolla en vivo, donde los errores y otros marcadores de la televisión en vivo se revelan. Al mismo tiempo, siguen una narrativa ficticia con guiones y convenciones conocidas. Por lo tanto, el espectador del wrestling ocupa un espacio marginal, entre la no ficción y los modos de observación ficticios, ya que la lucha ocupa un espacio marginal, entre la no ficción y los modos de ficción narrativos.

Tal marginalidad coloca el wrestling como metadrama. Como argumenta Richard Hornby en su “Drama, Metadrama y Perception” (1986), el metadrama es “drama sobre el drama: ocurre cada vez que el tema de una obra resulta ser, en cierto sentido, el propio drama“, con variedades de metadrama abierto como el juego dentro de la obra, la ceremonia con la obra, el juego de rol dentro del rol, la referencia literaria y de la vida real, y la autorreferencia. Siguiendo esta línea de pensamiento, en la lucha libre profesional todo tipo de metadrama abierto existe rutinariamente.

Además, al describir una obra dentro de una obra de teatro, Hornby señala que, para ser metadramático por completo, la obra exterior debe tener personajes y una trama y que estos elementos “deben reconocer la existencia de la obra interna, y que lo reconocen como una actuación. En otras palabras, debe haber dos niveles de actuación claramente distinguibles“. En la lucha, cuando se produce una forma de juego dentro de una obra, por lo general no se revela como metadrama hasta más tarde en la narración (como un giro sorprendente) o si se revela como una premisa, entonces es una jugada dentro de una obra de teatro parodia.

Por ejemplo, en un programa de World Championship Wrestling (WCW) Nitro, Bret Hart pasa por una revelación sincera de que debe luchar por los fanáticos una vez más y hacer frente al entonces villano Hollywood Hulk Hogan. Finalmente, en el momento culminante del combate, Hart y Hogan luchan enérgicamente, atrayendo a otro héroe, Sting, al cuadrilátero para ayudar a Hart contra Hogan. Sin embargo, en ese punto, Hogan y Hart unen fuerzas y atacan a Sting, colapsando toda la narración y revelando que su encuentro es “falso”. En otras palabras, dentro de la narrativa, Hogan y Hart estaban luchando un combate “falso” para atraer y herir a Sting.

La jugada dentro de la obra también es evidente en la parodia del wrestling. Por ejemplo, en la WCW a fines de la década de 1990, el New World Order (NWO) llegó para hacerse cargo de la organización. El NWO interrumpiría un programa WCW para transmitir encuentros de lucha del NWO; sin embargo, sus encuentros fueron claras parodias de combates de lucha libre. Su transmisión parodiaba la entrada al ring de los luchadores, el papel del árbitro que no hace cumplir las reglas y los locutores que acumulan entusiasmo por la acción.

El wrestling como un “trabajo”

Básicamente, la jugada dentro de una obra es fundamental para el wrestling, porque la lucha libre se presenta a sí misma como un “trabajo”. Un “trabajo” es un término antiguo que todavía usan los fanáticos y promotores para quienes un “trabajo” se refiere a la capacidad de los luchadores en un encuentro para convencer al espectador de que crea su realidad. Por lo tanto, cada show de wrestling es un “trabajo” exitoso si la audiencia se ve atrapada en el programa y cree que la emoción y la lucha son reales. Sin embargo, esta credibilidad no está solo en la suspensión dramática del sentido de incredulidad; más bien, el “trabajo” finalmente exitoso hace que el espectador realmente crea o dude de lo que es real y lo que no es real.

Aumentando el placer interpretativo de los espectadores, la noción legendaria “shoot” es central en el lenguaje del wrestling. Un “shoot” es una pelea de lucha real en la que los luchadores se enfrentan en una competencia deportiva. Teóricamente, dado que cualquier competencia puede ser un “trabajo” o un “shoot”, una pelea coreografiada puede convertirse, por accidente o por un conflicto real entre los actores, en un “shoot”. Por lo tanto, dentro del dominio ficticio, la obra dentro de una obra de teatro existe como un giro narrativo culminante o como una premisa para la parodia.

Deslizándose fuera del dominio ficticio, un enfrentamiento puede tener momentos de violencia accidental o deliberada. En cualquier caso, el wrestling construye una posición espectadora de marginalidad, a lo largo de un eje de desconocimiento. Opuesto a la posición de espectador tradicional de conocimiento privilegiado, el espectador de la lucha libre adquiere un papel incómodo, tambaleándose a lo largo de los márgenes del conocimiento ficticio y la incertidumbre no ficcional.

La ceremonia en el wrestling profesional

A continuación, Hornby dice que la ceremonia con la obra “implica una actuación formal de algún tipo que se establece a partir de la acción circundante. Sin embargo, al jugar dentro de las jugadas, se produce cierta confusión cuando se trata de categorizar ceremonias dentro de las jugadas“. Al igual que el drama, los espectáculos de wrestling tienen una calidad ceremonial propia, sin que necesariamente sean ceremonias completas. Y así, una ceremonia dentro de un programa de lucha desenfoca la distinción entre el ritual espectacular de wrestling y la ceremonia ritual dentro de la narración.

Por ejemplo, cuando los héroes se coronan campeones, puede haber una ceremonia improvisada que refleje las lluvias victoriosas de champaña y el jolgorio en equipo característico de los eventos deportivos legítimos. El vestuario se vacía y el nuevo campeón es llevado por los hombros de los otros luchadores, mientras que el héroe se ata en su cinturón, dramáticamente. Y sobre el rol de un personaje, Hornby sugiere que “cuando un dramaturgo representa a un personaje que está desempeñando un papel, a menudo se sugiere que, irónicamente, el papel está más cerca del verdadero ser del personaje que su cotidiano, real personalidad “.

En la lucha, el mejor ejemplo de juego de roles dentro de un rol se puede ver en la World Wrestling Federation (WWF) con el cambio de personalidad de Vince McMahon antes y después de un incidente infame con Bret Hart. Antes de la traición real de McMahon a Hart, McMahon era un promotor generalmente amistoso, trayendo entretenimiento a las casas de las personas. Después de que la traición detrás de escena es documentada y lanzada por el documental de la “National Film Board (NFB) Wrestling with Shadows” (1998), el personaje de McMahon se convirtió en un promotor malvado, con la intención de controlar las carreras de su talento.

Entre la referencia literaria y la vida real

En cuanto a la referencia literaria y de la vida real dentro de una obra, Hornby explica que “el grado de distanciamiento metadramático generado es proporcional al grado en que el público reconoce la alusión literaria como tal“: en términos de referencias de wrestling, las más obvias son referencias a otros medios populares, especialmente personajes de cómics / televisión, eventos de noticias y películas.

Por ejemplo, al igual que su homólogo del cómic, The Incredible Hulk, Hulk Hogan retrató a un tipo agradable que, cuando se lo provoca, se convierte en una fuerza de lucha imparable, alimentada por la ira y luchando por la justicia o la retribución. El famoso Stone Cold Steve Austin toma prestado el nombre Steve Austin de la serie de televisión The Six Million Dollar Man. La personalidad de Dwayne Johnson de The Rock se hace eco del valor cultural del Rocky de Stallone; esto es especialmente evidente cuando la multitud canta “Rocky” y The Rock se define a sí mismo como “El Campeón del Pueblo”.

Las referencias reales a la vida personal de los luchadores también ocurren con frecuencia. La infame traición a Bret Hart de Vince McMahon provocó algunas de las narrativas más exitosas de traición de un jefe malvado en la historia de WWF. A veces, los luchadores incluso despojan a su persona mientras aún están en el cuadrilátero y se comunican con los fans como ellos mismos, solo para volver a poner su personaje, usando sus situaciones de la vida real para construir narrativas ficticias.

También se produce la autorreferencialidad paródica, cuando, por ejemplo, los luchadores enanos hacen una presentación de payasadas, o cuando los luchadores humorísticos se burlan del drama de los combates de wrestling. Por ejemplo, Screamin ‘Norman Smiley es un luchador tonto que gana encuentros sin siquiera saberlo, a través de bufonadas tontas y accidentes. Mientras aconseja seriamente a los niños sobre los peligros de la lucha profesional en el patio trasero y les instruye sobre las habilidades disciplinadas de la lucha libre amateur, Smiley derrota al campeón de doce años y se escapa con el cinturón de aluminio. En esencia, todas las principales variedades de metadrama explícito de Hornby existen regularmente en el wrestling, incluida la obra dentro de la obra, la ceremonia con la obra, los roles dentro del rol, la referencia literaria y de la vida real, y la autorreferencia.

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¿El wrestling es arte?

Wrestling y cultura popular IV: interpretación sexual y de género del wrestling profesional

Para la cuarta parte de este proyecto, se ha elegido el fragmento del texto de Dalbir Sehmby en que se refiere a la convivencia entre lo masculino, femenino y sexual en el wrestling profesional. Para efectos de referencia, el título original es “Wrestling and Popular Culture”, de la revista CLCWeb: “Comparative Literature and Culture” y fue publicado el 2002. El artículo original es posible encontrarlo a la vez en el sitio http://docs.lib.purdue.edu/clcweb/vol4/iss1/.

Una narración masculinizada

La lucha es liminal de otra manera potencialmente generadora de ansiedad, al existir entre las formas de entretenimiento masculino y femenino. En los estudios de medios, la programación se interpreta como masculina o femenina según el género del público objetivo y los rasgos de género estereotípicos representados en un programa. Siguiendo este esquema, visualmente, el wrestling es un programa altamente masculinizado.

Típicamente, los hombres atléticos se gritan el uno al otro, batallando físicamente por orgullo, honor y un campeonato de oro. Las mujeres también luchan, pero son las combatientes menos típicas; sin embargo, cuando suena la campana, ellas también resuelven su disputa o muestran su destreza de una manera agresivamente atlética. Los luchadores tampoco son hombres y mujeres promedio; más bien, a menudo son musculosos, fuertes y capaces de peligrosas proezas atléticas.

El combate de lucha en sí es una narración altamente masculinizada: hay poco o nada de conversación; dos individuos se pelean entre sí; hay un comienzo, un medio y un final claros. En un combate de wrestling, cuando suena la campana de apertura, la conversación generalmente se detiene. O, por lo general, el héroe honorable deja de hablar y comienza a pelear, mientras que el villano puede detenerse, hablar o quejarse. En un encuentro, hay un límite de tiempo claro, donde los dos combatientes luchan físicamente. Y la victoria se sella con el sonido final de campana final y tres conteos, dando a la narración un comienzo, un medio y un final claramente definidos.

Ejemplificado por la dinámica del encuentro en sí, la lucha es una forma narrativa muy masculina. Simultáneamente, sin embargo, el wrestling como una serie de encuentros y narraciones en curso es muy femenino en la forma. En su artículo “Never Trust a Snake: WWF Wrestling as Masculine Melodrama” (1997), Henry Jenkins argumenta que la ficción seriada, como la telenovela, ejemplifica una estética femenina; sin embargo, la lucha no encaja perfectamente en la tradición televisiva académica que separa la forma narrativa masculina de la femenina:

“El wrestling televisivo es contrario a una distinción tan marcada: su tema característico (las relaciones homosociales entre hombres, la esfera profesional más que la doméstica, el enfoque en medios físicos para resolver conflictos) recurre a tradiciones genéricas que los críticos han identificado como característicamente masculinas; su modo de presentación (su serialidad, su enfoque en múltiples personajes y su relación, su negativa al cierre, su atractivo para la especulación del espectador y chismes) sugieren géneros a menudo etiquetados como femeninos. Estas contradicciones pueden reflejar el estado inquieto de la lucha como el melodrama masculino “.

¿Wrestling profesional para satisfacción sexual del espectador?

El wrestling es una ficción en serie que muestra hombres expresando emoción. Es una ópera deportiva, un melodrama donde los giros y vueltas de la historia ocurren en abundancia. Además, al igual que sus contrapartes de la telenovela, la lucha libre ha desarrollado toda una industria de chismes en Internet, en revistas de admiradores y entre 1 y 900 líneas de información telefónica. Otro aspecto femenino se puede ilustrar en la expresión melodramática rutinaria del wrestling de la emoción. Los luchadores y todos los demás personajes expresan abiertamente sus sentimientos de manera hiperbólica y excesiva, ya sea ira, miedo, humillación, tristeza o felicidad. Y aunque a menudo expresan enojo, los luchadores verbalizan mucho, argumentando, protestando e incluso discutiendo.

Por lo tanto, la lucha es también una forma femenina altamente estereotipada, como se ejemplifica en la estructura de la historia en serie, las expresiones emocionales melodramáticas y la verbalización de los sentimientos personales. Además, el wrestling exhibe la forma humana tanto para la mirada masculina como femenina en formas sexuales y no sexuales. A diferencia del varón claramente objetivado o el varón claramente objetivado, los cuerpos de lucha se presentan de manera marginal.

Con respecto a la mirada, Laura Mulvey escribe en su artículo “Visual Pleasure and Narrative Cinema” (1992) que “en un mundo ordenado por el desequilibrio sexual, el placer de mirar se ha dividido entre activo / masculino y pasivo / femenino. la mirada proyecta su fantasía sobre la figura femenina que se diseña en consecuencia“. Aplicado a la situación del wrestling, esto se lleva a cabo cuando hay mujeres vestidas con ropa ligera y pesadas que acompañan a los luchadores al ring como gerentes, novias, etc. Su papel es satisfacer la mirada sexual del espectador heterosexual masculino. Sin embargo, al mismo tiempo, los cuerpos de lucha masculina están abundantemente disponibles para la mirada femenina heterosexual. De hecho, el vestido mínimo para cualquier luchador es ropa interior colorida.

En el wrestling, las formas masculinas y femeninas están disponibles tanto para la mirada masculina heterosexual como para la femenina heterosexual. Además, el cuerpo humano también se exhibe para la mirada homosexual de hombres y mujeres también; los luchadores masculinos que luchan entre sí y las luchadoras que luchan entre sí brindan posibilidades de placer de visión homosexual. Sin embargo, hay más en la lucha libre que en la observación sexual.

La ambivalencia entre lo sexual y no-sexual

Los cuerpos masculinos y femeninos en el wrestling también se disfrutan para la mirada no sexual: los luchadores pueden usar muy poco y algunos pueden estar bien construidos, pero por la vulgaridad de su vestimenta y musculatura, los cuerpos de lucha no existen puramente, si incluso predominantemente, para la mirada sexual. Más típicamente, los luchadores heterosexuales / homosexuales masculinos y heterosexuales / homosexuales femeninos participan en combates atléticos en aras de la habilidad y la historia. Por ejemplo, un hombre heterosexual puede ver y disfrutar a dos hombres que luchan entre sí por sus movimientos / destreza, y luego sublimar la mirada homosexual. Puede ver un encuentro, para descubrir simplemente al ganador de una historia en curso.

Como el wrestling por convención consiste en hombres y mujeres con poca ropa, la desnudez de dos hombres en el combate atlético no será necesariamente interpretada como sexual para el fan masculino / femenino heterosexual / homosexual. Como es evidente, la combinación de estrategias de visualización puede ser tan numerosa como el tipo de espectador. La capacidad de un individuo para alterar sus estrategias de visualización en un momento dado puede generar una cantidad innumerable de estrategias de visualización.

En los deportes convencionales, se ofrecen cuerpos masculinos y femeninos a los espectadores a lo largo de una línea clara entre mirar sexual y no sexual. Las porristas femeninas con vestimentas reveladoras y expresiones burbujeantes actúan a lo largo de las líneas laterales y tienen prohibido participar en el campo de atletismo claramente demarcado. El baile de porristas es en gran medida gratuito para la competencia, mientras que las acciones de los atletas masculinos están relacionadas principalmente con el contexto del juego y cualquier exhibición física o de baile está típicamente conectada con señales de victoria o intimidación. Antitéticamente, en la lucha libre, los límites entre los cuerpos femeninos y masculinos colapsan, ya que los cuerpos masculino y femenino existen tanto para la contemplación sexual como para la no sexual, simultáneamente.

Wrestling y cultura popular III: la contradicción con la competencia deportiva

Para la tercera parte de este proyecto, se ha elegido el fragmento del texto de Dalbir Sehmby en que se refiere a las críticas por el carácter no competitivo del wrestling profesional. Para efectos de referencia, el título original es “Wrestling and Popular Culture”, de la revista “CLCWeb: Comparative Literature and Culture” y fue publicado el 2002. El artículo original es posible encontrarlo a la vez en el sitio http://docs.lib.purdue.edu/clcweb/vol4/iss1/

Primera parte: https://dosdossolodos.com/2018/02/21/wrestling-y-cultura-popular-i-la-mala-reputacion-del-wrestling-profesional/

Segunda parte: https://dosdossolodos.com/2018/03/06/wrestling-y-cultura-popular-ii-los-origenes-del-wrestling/

La consolidación de un rechazo social

Los encuentros enfrentaron serias críticas, pero la lucha profesional se volvió demasiado exitosa como un negocio de entretenimiento para volver a sus raíces como una competencia atlética. Viendo un evento que fue públicamente considerado como un deporte corrupto por las autoridades de los medios, como los columnistas de deportes, ahora era embarazoso para el público en general. Esta falta de validación pública y crítica existe incluso hoy en día. Los críticos o no fanáticos denuncian el wrestling profesional como “falso”. Los fanáticos deben defender lo que saben que es el entretenimiento deportivo, y los académicos deben explicar que saben que la lucha es escenificada.

Tal despido proviene en parte del estatus liminal del wrestling, entre los deportes y el drama, la narrativa masculina y las formas narrativas femeninas, la exhibición sexualizada y no sexualizada, y la realidad y la ficción. Como los eruditos pueden saber muy bien, la cultura norteamericana tiene grandes elogios para las habilidades atléticas. Valoramos lo fuerte, lo rápido y lo mejor. El atleta más hábil puede incluso ganar el estatus cultural de un héroe o ícono, junto con avales lucrativos y amplia cobertura mediática. Creemos que la capacitación, la dedicación y el trabajo duro hacen campeones. Y por lo tanto, la perseverancia, el enfoque y la confianza son valores que apreciamos y vemos realizados a través de nuestros atletas.

Las figuras deportivas representan la capacidad de superar la pobreza, el deseo de nunca darse por vencido, y algunos de los más altos potenciales físicos y mentales de la especie humana. Las competencias atléticas justas son rituales que respaldan nuestra creencia en el sueño americano. Culturalmente, entonces, no nos gusta cuando los deportes son amañados, cuando nuestros atletas engañan y, en el caso de la lucha libre, cuando todo se reduce a un espectáculo. Por lo tanto, debido a su parecido con el deporte, pero su claro estado como drama, el wrestling es criticado y degradado como “falso”. Más importante aún, al parodiar la noción de trabajo duro y la práctica ética que conduce al éxito, la lucha socava nuestra propia creencia en el sueño americano.

Lo impredecible del deporte frente a lo arreglado del wrestling

La apariencia del wrestling como deporte le da un velo de legitimidad que, por delgada que sea, lo sitúa dentro de nuestro entendimiento de los concursos atléticos competitivos. Es decir, cuando vemos un concurso de atletismo, estamos viendo exactamente eso, una prueba competitiva. Por ejemplo, en un combate de boxeo, vemos a dos atletas pelear entre sí de acuerdo con las reglas del juego impuestas por un árbitro. Los jueces en el exterior evalúan el partido y anotan puntos por golpes adecuados y deducen puntos por cualquier infracción. Cada ronda individual está cronometrada y la pelea completa es un número determinado de rondas. Al final, el boxeador con más puntos o el que ha anotado un nocaut es declarado ganador.

Los espectadores miran el evento desplegarse ante nosotros. Poniendo a un lado las probabilidades de juego, las historias de lucha y la corrupción, no sabemos qué va a pasar después, no sabemos cuánto durará y no sabemos quién será el ganador. Esto es lo que le da al boxeo y a otros deportes su imprevisibilidad; entonces, como espectadores observamos para ver quién es el atleta mejor, más hábil y más capaz. Por lo tanto, al ver un concurso deportivo, estamos atrapados en un tipo de narrativa deportiva documental en vivo que se desarrolla ante nuestros ojos.

La noción de que el wrestling ridiculiza al deporte

El wrestling profesional, por extensión, se basa en este modelo de competencia atlética legítima que se desarrolla ante nuestros ojos y, en consecuencia, sitúa la lucha dentro de nuestra comprensión de los deportes competitivos. En otras palabras, al imitar el estilo de un concurso deportivo, el wrestling exige que el espectador se sitúe a sí mismo como un espectador deportivo legítimo. Sin embargo, al hacerlo, la lucha se burla de un espacio que es culturalmente sagrado, el campo de batalla atlético.

Tomamos nuestros deportes en serio, porque está asociado con nuestro orgullo local, nacional, cultural o personal como fanáticos. Los disturbios en los partidos de fútbol europeos, el fervor del hockey en Canadá, la inmersión total de fútbol o béisbol en los EE. UU., El cricket en la India o el ritual mundial de los Juegos Olímpicos son solo algunos ejemplos de la seriedad con que tratamos nuestros deportes en todo el mundo. Los deportes están destinados a ser el espacio de la competencia leal, pero el wrestling demuestra lo contrario, circulando sus narrativas en torno a la corrupción, el favoritismo y la puñalada por la espalda.

Wrestling y cultura popular II: los orígenes del wrestling

Para la segunda parte de este proyecto, se ha elegido el fragmento del texto de Dalbir Sehmby en que se refiere al contexto social en que surge el wrestling estadounidense. Para efectos de referencia, el título original es “Wrestling and Popular Culture”, de la revista “CLCWeb: Comparative Literature and Culture” y fue publicado el 2002. El artículo original es posible encontrarlo a la vez en el sitio http://docs.lib.purdue.edu/clcweb/vol4/iss1/.

Para leer el primer episodio de estos especiales, acá el enlace: https://dosdossolodos.com/2018/02/21/wrestling-y-cultura-popular-i-la-mala-reputacion-del-wrestling-profesional/.

La importancia del carnaval

Históricamente, la lucha es a la vez entretenimiento popular y de masas. Sus orígenes son folk, provenientes de carnavales itinerantes y espectáculos tipo vaudeville. Tanto en términos de audiencia como de artistas, estos espectáculos itinerantes ocupan el peldaño más bajo en la escala artística. Los artistas comienzan su entrenamiento a través de lugares de viaje, graduándose en escenarios más respetados y estáticos, como Broadway, donde el público los visita. El wrestling profesional está vinculado a los espectáculos itinerantes folclóricos a través de la naturaleza nómada del negocio; es decir, los artistas intentan reunir público de pueblo en pueblo.

Lo que queda de sus raíces populares es el elemento huckster: los espectáculos itinerantes se asocian con una forma de publicidad que caracteriza tanto al animador como al espectador con connotaciones negativas. En la televisión de hoy, los artículos promocionales de la lucha libre, los carteles de los próximos eventos de la arena y los comerciales de pago por evento conservan la convocatoria del carnaval para una multitud y las promesas de entretenimiento exótico. Además del bajo estatus del animador, la baja condición social del espectador sigue siendo un hecho.

En el mejor de los casos, el espectador del wrestling no se diferencia del espectador popular por la baja forma artística del entretenimiento itinerante. En el peor de los casos, al comprar boletos para ver un deporte fraudulento, el espectador de la lucha libre es como la audiencia popular siendo engañada en un engaño espectacular. A través de tal reputación de vendedor y engaño, la categorización de la audiencia como las “masas sin educación” toma otra capa de significado.

El origen del wrestling en medio de los fraudes

Con una historia que consiste en la competencia de la feria del condado, un concurso deportivo lleno de controversia y un incidente de revelar involuntariamente a los ganadores antes de un evento importante, la lucha profesional aseguró una reputación fraudulenta y sus espectadores una “inculta”. Es decir, el espectáculo de lucha es una estafa y el espectador es demasiado tonto como para darse cuenta de que está siendo estafado. Debido a sus raíces itinerantes del carnaval, la lucha ganó una reputación como una estafa y no como arte de entretenimiento.

De acuerdo con los documentales, “The Unreal Story of Professional Wrestling” (1999), “Sharon Mazer’s Professional Wrestling: Sport and Spectacle” (1998), y “Gerald Morton y George O’Brien’s Wrestling to Rasslin ‘: Ancient Sport to American Spectacle” (1985), la mala reputación de la lucha profesional también está conectada con los esfuerzos de los veteranos de la Guerra Civil estadounidense para sacar provecho de sus habilidades de combate. Para pasar el tiempo entre batallas militares, los soldados de la Guerra Civil estadounidense luchaban entre sí y los ex soldados llevaban sus habilidades a ferias del condado y espectáculos itinerantes donde desafiarían a alguien en la multitud local a una pelea improvisada, agitando una apuesta saludable como tentación financiera. Motivado por el orgullo y atraído por el dinero, un entusiasta local aceptaría el desafío solo para terminar avergonzado por el profesional.

Y como dice la leyenda, para atraer a la gente a la pelea, el luchador de carnaval a veces tendría una “planta” en la audiencia. La “planta” enfrentaría una buena batalla y apenas perdería, convenciendo a la audiencia de que podrían terminar lo que la “planta” casi podría hacer. Entonces, como un tiburón de la piscina, el hombre fuerte derrotaría al local ansioso y se iría con el dinero. Es importante notar que durante el siglo diecinueve estos contras del carnaval existieron paralelamente al wrestling como una competencia atlética legítima. Al sellar su estado como entretenimiento deportivo, el deporte y el carnaval se fusionan en lo que conocemos como lucha libre profesional.

El incidente de Gotch y Hackenschmidt

En el cambio de siglo, un incidente que involucró a Frank Gotch y George Hackenschmidt empañó aún más el estatus del wrestling como un deporte legítimo. La lucha como deporte de espectadores comienza como una competencia atlética. En los primeros días del wrestling profesional, los atletas consumados competían entre sí en el estilo amateur del juego y en América del Norte y Europa, Gotch y Hackenschmidt eran dos de los atletas más populares y capaces de su época. De acuerdo con “The Unreal Story of Professional Wrestling”, en una revancha entre los dos, el estadounidense Gotch contrató a un “hooker”, un luchador que es capaz de paralizar físicamente a un oponente, para herir a Hackenschmidt en una pelea de entrenamiento.

La rodilla de Hackenschmidt se rompió y Gotch ganó fácilmente la revancha. Más tarde se supo que Gotch había contratado a alguien para dañar a Hackenschmidt y la legitimidad de la lucha hizo que este deporte se empañara aún más y el alto perfil del incidente de Gotch-Hackenschmidt es una razón importante por la cual los concursos deportivos de wrestling ya no serían una venta viable. Además, dado que la pelea final entre Gotch y Hackenschmidt ni siquiera se organizó para un claro entretenimiento dramático, la lucha no se definía claramente como un deporte legítimo o como un espectacular espectáculo de acrobacias.

Primeros cuestionamientos sociales

Históricamente, después de un auge inicial de la corriente principal como una competencia atlética, el wrestling ya no se validaba como una forma de entretenimiento socialmente aceptable. Según “Unreal Story of Professional Wrestling”, esta falta de comercialización se produjo por tres razones principales: se revelaron los trucos de lucha, se hicieron públicos los ganadores de un evento importante antes de que ocurriera el evento, y los columnistas deportivos de periódicos dejaron de cubrir el wrestling. En otras palabras, al perder su apariencia lúdica como un deporte competitivo, la lucha perdió a su audiencia principal.

Para explicar, incluso si el público sabía que algunos encuentros de wrestling se organizaron, durante años los periódicos dedicaron una sección a la lucha y los ganadores nunca se revelaron de antemano. Y así, al público se le permitió participar de la diversión; en otras palabras, el wrestling fue socialmente validado. Debido a los eventos que arruinaron su aceptación social, no permitieron a los espectadores suspender su incredulidad y arruinaron el suspense dramático de una carta importante, la lucha profesional ya no fue validada socialmente, alejando a los aficionados de la corriente principal. En lo que respecta a la investigación seria que enfrenta la lucha, Hofstede en “Slammin” declara:

“La primera investigación seria sobre la autenticidad del wrestling fue lanzada en enero de 1934 por la Comisión Atlética del Estado de Nueva York. Las acusaciones de ‘malabarismo de títulos’ y ‘acuerdos secretos’ resultaron en una semana de los testimonios de los principales luchadores del día, incluidos Londos, Ed White y Dick Shikat. La comisión prohibió los acuerdos sindicales entre los promotores y también decidió prohibir el lanzamiento de la competencia. Nadie prestó mucha atención a ninguno de los edictos“.

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Wrestling y cultura popular I: la mala reputación del wrestling profesional

A diferencia de otras artes, el wrestling no es considerado para el desarrollo de estudios académicos. Por eso he decidido traducir íntegramente un trabajo del doctor Dalbir Sehmby en el que examina las relaciones entre la lucha y la cultura popular. Para efectos de referencia, el título original es “Wrestling and Popular Culture”, de la revista “CLCWeb: Comparative Literature and Culture” y fue publicado el 2002. El artículo original es posible encontrarlo a la vez en el sitio http://docs.lib.purdue.edu/clcweb/vol4/iss1/.

Siendo un estudio académico los parámetros son distintos a los de un artículo común y corriente de esta página. En primer lugar, tiene un metalenguaje más difícil lo que me ha llevado a hacer algunas modificaciones en la traducción y a la división de las ideas en apartados temáticos. En segundo lugar, dada la extensión del texto se ha dividido en ocho artículos siendo este el primero de ellos. Eso es posible dada la cantidad de tópicos que trata el autor. En este caso comenzaremos hablando de la mala fama de la lucha libre.

La mala reputación del wrestling profesional

Introduce el wrestling profesional en una conversación y alguien dirá: “es tan falso”. Y no sólo los buscadores de fallas usan la frase, incluso los fanáticos sinceros se encuentran usando la frase, sólo para aclararle al mundo que tienen suficiente sentido común para comprender que la lucha libre es “falsa”. Culturalmente, cuando pensamos en el arte, no pensamos en el wrestling. Televisión y arte ya tienen una relación controvertida, por lo que la lucha libre y el arte profesional tienen una relación mucho más difícil.

Sin embargo, a través del trabajo académico y el entusiasmo visual, la programación televisiva se ha convertido en un medio importante del siglo XX. A pesar de lo anterior, en el texto promedio, las referencias o la enciclopedia de la televisión, el wrestling permanece visible por su ausencia. Esto, a pesar de que uno de los primeros éxitos de la televisión fue el programa de lucha libre de Dumont Network y algunas de las primeras celebridades de la televisión fueron luchadores. Además, cincuenta años más tarde, el wrestling sigue siendo un elemento básico constante de la programación televisiva de América del Norte.

Sin embargo, para los estudiosos de la televisión, ha habido desdén por la lucha libre. Específicamente, la reputación sórdida del wrestling profesional se deriva de cinco factores básicos: su condición de arte bajo, su desarrollo histórico, su existencia liminal, su espectáculo de exceso y su forma de medios híbridos. En última instancia, al reconocer su bajo estatus y al articular el entretenimiento como un tipo de decepción permisiva, los productores, artistas y aficionados se reapropian del estado de juego de la lucha libre, destruyendo la noción de una jerarquía de formas de arte popular y anunciando todo el entretenimiento como una ilusión exitosa, o “falsa”.

Arte de la alta y de la baja cultura

Antes de analizar las razones específicas de la reputación negativa de la lucha libre, debe abordarse la noción general del arte de la clase trabajadora versus el arte de la clase alta. La alta cultura, como el ballet, la ópera y la música clásica, se considera estéticamente compleja e intelectualmente atractiva. La alta estética ha sido y sigue siendo críticamente delineada y evaluada dentro de las universidades, colegios y en la sociedad en general. Históricamente, sin embargo, el aplauso elitista para el arte elevado se ha producido a expensas del arte de clase baja. Las distinciones en el arte van de la mano con distinciones entre clase, gusto y estándares estéticos generales dentro de nuestra cultura. John Fiske, en “Understanding Popular Culture” (1996), explica el argumento principal de Bourdieu sobre la distinción de clases y el arte de la siguiente manera:

“La cultura se usa para distinguir entre clases y fracciones de clases, y para disfrazar la naturaleza social de estas distinciones ubicándolas en los universales de la estética o el gusto. La dificultad o complejidad del arte “alto” se usa primero para establecer su superioridad estética al arte “bajo” u obvio, y luego para naturalizar el sabor superior y (calidad) de aquellos (la burguesía educada) cuyos gustos se encuentran. Se ha desarrollado una industria crítica a su alrededor para destacar, si no realmente crear, su complejidad y, por lo tanto, para trazar distinciones enmascaradas pero satisfactorias entre quienes pueden apreciarla y quienes no. La complejidad artística es una distinción de clase: la dificultad es un giro cultural: admite solo a quienes tienen las entradas correctas y excluye a las masas.”

La categorización de la televisión como una baja arte

En términos generales, la alta cultura aplaude el arte de la clase alta, creando estándares específicos de calidad y sabor. Sin embargo, la industria crítica que rodea el arte superior a menudo ha pasado por alto el mérito de lo que se puede llamar arte bajo, de clase obrera o popular. Porque la cultura popular es popular o porque los medios de comunicación son de las masas, por su propia naturaleza y debido a los límites tradicionales del gusto, los medios de comunicación populares existen en oposición al arte más aclamado por la crítica. Para mantener una industria crítica en torno al arte elevado, se evitan los estudios de arte hechos para las masas, como la televisión.

El estudioso de medios de comunicación Robert Abelman en “Reaching Critical Mass” (1998) describe varias razones por las que la televisión no se considera arte elevado. Por ejemplo, entre sus razones se incluye que la televisión no ha sido aceptada por la comunidad intelectual, que la televisión es demasiado accesible y que la televisión no se considera más que un artículo popular. Específicamente, Abelman señala que el arte de élite se percibe como “único, técnicamente y temáticamente complejo, y producido por un artista identificable de estatura y visión personal“.

En contraste, el arte popular “se esfuerza por ser familiar, común y convencional, y por lo general es producido por artistas desconocidos y sin dueño para su distribución comercial y consumo a gran escala. A menudo se crea con fines de lucro y, como una forma de expresión artística, devaluado por su misma popularidad “. En otras palabras, la televisión es una forma de arte popular y rentable y, por lo tanto, no se considera estéticamente compleja ni creativamente original como el arte de élite. Como resultado, los programas de televisión tampoco se consideran estéticamente complejos o creativamente originales como sus contrapartes de élite. Sin embargo, no cumplir con las calificaciones de arte de élite no descarta la riqueza disponible dentro de un programa de televisión popular.

La distinción entre programas de alta calidad y baja calidad

Desafortunadamente, en un intento por validar los estudios de los medios, los críticos han creado una jerarquía propia. Por ejemplo, los dramas de televisión en vivo de la década de 1950 se han comparado con el alto arte del teatro y, por lo tanto, dentro de una compañía tan alta se argumenta que son formas dignas de arte popular. O considere la Estación de Transmisión Pública de los Estados Unidos (PBS), reconocida por su variedad de programación educativa y de calidad. PBS obtiene muchos menos puntos de audiencia que las principales redes estadounidenses y, sin embargo, se evalúa críticamente.

Esta combinación de bajas audiencias y alto elogio crítico es casi un cliché en la televisión; los programas de televisión con altas audiencias a menudo se consideran indignos de atención crítica o académica. Entonces, dentro de la crítica de televisión, hay una distinción entre programación de alta calidad y de baja calidad que originalmente se basó en los estándares establecidos por formas comparables de arte elevado.

El lugar del wrestling en la jerarquía televisiva

Esta clasificación dentro de la crítica televisiva existe incluso hoy en día. La propia categorización de la década de 1950 como la Edad de Oro frente a la era de la televisión basura de finales de la década de 1990, por ejemplo, ilustra la distinción entre televisión alta y baja. Sin embargo, incluso durante la década de 1950, el wrestling estaba situado más abajo en la jerarquía de la televisión. Milton Berle y su espectáculo de variedades son reconocidos por llevar la televisión a los hogares de los televidentes en todo Estados Unidos, mientras que “Gorgeous” George y el espectáculo común de la lucha libre profesional no reciben tal reconocimiento.

Esto a pesar del hecho de que el wrestling tendría un mayor atractivo general en todo Estados Unidos que el espectáculo de Berle por dos razones: la proliferación de programas de lucha en los primeros días de la televisión y el gran atractivo del espectáculo del wrestling. Según David Hofstede en “Slammin ‘: Wrestling’s Greatest Heroes and Villains” (1999), la lucha se emitió por primera vez el 30 de julio de 1948 en Dumont y poco después, de 1949 a 1951, ABC, CBS y NBC transmitieron combates de wrestling y Hofstede escribe que “el primer usuario del canal podría encontrar espectáculos de lucha seis noches a la semana”.

Parece más plausible que un espectáculo bueno frente al mal llegue a más personas en todo Estados Unidos que un comediante basado en Nueva York con una clara inclinación urbana a su humor y en mi opinión la lucha es más capaz de traducir diferencias regionales, étnicas y de clase que las de Berle. Por lo tanto, el wrestling tiene un estatus indebidamente bajo, ya que no solo es un programa de televisión, sino que también ocupa un lugar bajo dentro de la jerarquía televisiva, lo que es ilustrativo por su falta de reconocimiento como incluso un género existente.

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